Maryam Eisler: la fotógrafa iraní reaviva el poder de Tina Modotti
La nueva serie desvela las capas de una historia de amor cargada de emoción e idealismo político
El arte gana donde la política a menudo falla ”. Así lo dijo Maryam Eisler en una entrevista anterior, y ciertamente la fotógrafa nacida en Irán que vive en Londres siempre ha buscado paisajes hermosos y espartanos, así como una arquitectura curvilínea, como un medio para expresar su propia forma de pureza conmovedora.
Sus desnudos femeninos a menudo se proyectan contra entornos dramáticos (los escarpados acantilados de Nuevo México, el campo de lavanda azotado por el viento de la Provenza; el exuberante paisaje de la región de Catskill) que presagian una sensación de grandeza y fuerza primordial que, a su vez, apunta a una audaz e intransigente feminidad y sentido libre de 'totalidad'.
Eisler, una mecenas de las artes de gran prestigio (es fideicomisaria de la Whitechapel Gallery de Londres, copresidenta de MENAAC (Comité de Adquisiciones de Oriente Medio y Norte de África) de Tate, y miembro del Consejo Internacional de Tate, ahora ha vuelto su lente hacia la historia de una manera poco convencional que alienta al espectador a despegar las capas de una historia de amor cargada de emoción e idealismo político.
La serie, llamada Imaginando a Tina explora la relación entre el gran fotógrafo estadounidense del siglo XX Edward Weston y su colega fotógrafa, musa, comunista y activista Tina Modotti. Eisler establece una narrativa dentro de una narrativa al presentar su lente como la mirada de Weston, admirando a su amante en poses que son tanto sensuales como escultóricas. Como tal, las llamativas fotografías monocromáticas de Eisler toman prestado el estilo nítidamente enfocado y los efectos de claroscuro de Weston y, sin embargo, poseen una 'novedad' intrigante que es difícil de ubicar pero enraizada en la historia del arte. Admirador de Man Ray desde hace mucho tiempo, el propio estilo de Eisler (visto aquí dentro del estilo de Weston, por así decirlo) se inspira en los efectos crudos e inesperados de sus rayos, así como en las composiciones de Bill Brandt y Lucien Clergue, ambos considerados maestros del contraste y manipulación de la luz.
Sin embargo, en esta serie, la protagonista femenina de Eisler, en este caso 'Tina', no se identifica tanto por su paisaje, sino representativa de un territorio suave y erótico mapeado por las curvas y sombras de su propio cuerpo. Las imágenes de Eisler son emocionalmente transportadoras por derecho propio, es decir, no hay una necesidad real de explorar la historia de fondo, pero animo a todos a profundizar un poco más en la relación entre Weston y Modotti, así como en sus respectivas carreras; especialmente porque el talento de Modotti como fotógrafo e influenciador en el estilo de Weston (incluida su obsesiva precisión técnica) ha sido minimizado hasta hace poco.
La serie de Eisler está 'ambientada' durante los 'años de México' de la pareja (1921-1926), una época de gran cambio político en el país y que finalmente alejó a Modotti de la lente y de todo corazón hacia el comunismo. La suya es una historia de amor que indudablemente causó mucho dolor (Weston dejó a su esposa e hijos por Modotti) pero esta relación, aunque breve pero apasionada, se define irrefutablemente por una intensa producción creativa que moldeó sus creencias individuales y métodos de expresión, ya sean artísticos o políticos. motivado.
Hablé con Maryam Eisler sobre su nueva exposición y cómo llegó a rodar esta serie en Wildcat Hill en Carmel, donde Edward Weston vivió desde 1938 hasta su muerte en 1958.
¿Crees que los visitantes de tu exposición deberían conocer la historia que inspiró tu trabajo?
Creo que la exposición necesita estar de pie sin explicación. He visto 450 estudios de artistas en los últimos cinco años debido a publicaciones y exposiciones en las que he participado [Maryam ha publicado seis libros con Thames y Hudson, incluido uno centrado en los habitantes creativos, pasados y presentes, del East End de Londres] . Me gusta ver el trabajo sin demasiada información; ver lo que representa a nivel emocional es algo muy importante. Si una obra de arte engendra alguna forma de emoción, ya sea buena o mala, si te golpea en el estómago, por así decirlo, entonces el artista ha logrado algo. Si te alejas del ajetreo y el bullicio de Tottenham Court Road y encuentras algo de paz en esta galería mirando mi trabajo, eso me hace feliz. Solo necesita saber el resto si está realmente interesado. Así es como hago arte.
Invariablemente ha elegido representar la forma femenina en su trabajo ...
Siempre me ha atraído lo que llamo lo 'femenino sublime' y su relación con la naturaleza. En el pasado he colocado la figura femenina en la naturaleza 'grande': el desierto de Santa Fe, los campos y canteras de piedra de la Provenza. Recientemente filmé una serie en Islandia llamada 'O' de origen, en un entorno desolado y casi primitivo. Pero con esta serie, he incorporado la naturaleza en lugar de explorar el concepto de 'mujer perdida en la naturaleza'. La serie se filmó en la casa de Edward Weston en Carmel, California, y la idea era que la mujer 'mantuviera' la naturaleza. En algunas tomas utilicé plantas y flores encontradas en la finca para crear este efecto, en otras piezas, las figuras se convierten en paisaje. Una especie de arquitectura corporal si quieres.
Tus imágenes juegan con la luz y el contraste, tanto que los cuerpos lucen inefablemente quietos y esculturales. Habiendo dicho esto, prefieres los desnudos femeninos de 'cuerpo hermoso'. ¿Es la perfección importante para ti cuando se trata de la forma femenina?
Me interesan mucho los conceptos filosóficos que rodean la imagen de la figura femenina, así que para mí el arte no está tan enraizado en la apariencia física, aunque las modelos sí tienen cuerpos hermosos. Muchas de mis imágenes son bastante minimalistas, por lo que realmente se trata de desnudar la figura hasta su esencia, para representar la belleza del cuerpo no solo en su forma física sino en su forma conmovedora y absoluta. Desde una perspectiva visual, me gusta pintar con luz y nunca utilizo iluminación artificial. Si hablas de estética clásica, mis imágenes potencialmente tienen una sensación de los años 30 y 40, y me atraen mucho esas décadas. Había ciertos ideales sostenidos en esos tiempos que hemos perdido. Hemos perdido un sentido de sentimentalismo y grandeza que pretendo recuperar. También me interesa la geometría de la figura en sí, sus curvas en contraste o en colaboración con un escenario o paisaje. Entonces, el aspecto de la belleza no es mi enfoque personal. Simplemente elegí [estos desnudos] porque las líneas son muy limpias y eso, la arquitectura del cuerpo, es de gran interés para mí.
Las ubicaciones de tus disparos son a menudo estériles y de otro mundo, ya sea en grandes extensiones de desierto o llenas de vegetación exuberante y salvaje. ¿Por qué te atraen entornos tan extremos?
Si me preguntaste cuál es el factor número uno que guía mi trabajo, o de hecho me guía como ser humano en la vida cotidiana, es ligero. Siempre elijo lugares que tienen una luz interesante, ya sea el desierto mexicano, las montañas de Catskills o los campos de flores silvestres de la Provenza. También está la cuestión de la emoción aumentada cuando disparas en esos lugares.
¿Quiere decir que tiene que estar en un cierto estado de ánimo para llevar a cabo un proyecto?
Siempre me han atraído las áreas asociadas con esta sensación de emoción intensificada. Especialmente la emoción política intensificada. Soy un hijo de la revolución, aunque no la viví [en Irán] porque dejamos el país antes del levantamiento, todavía viví el trauma del cambio y todas las emociones intensas que lo acompañaron. Cuando era niño, no lo sabía, o más bien pensaba que no lo sabía, pero ahora, mirando hacia atrás, es impactante pensar en lo que pasamos. En muchos niveles, nos unió como una unidad familiar. Es algo que sin duda ha dado forma a mi producción creativa. Produje una serie sobre La Habana en Cuba, a la que llamé 'Belleza y abandono' porque siempre me han atraído los aspectos positivos y negativos de la revolución. Pero en realidad, son las historias de emociones internas las que más me interesan. Para traernos de regreso a esta exposición en particular, estaba leyendo los diarios de Edward Weston y me cautivaron particularmente los escritos durante los años que pasó en México con Tina Modotti, a quien conoció a principios de los años 20 en Los Ángeles. Estaba casado, pero después de su romance ella lo convenció de mudarse a México, que fue a raíz de la revolución. Mientras lee estos diarios, no puede evitar sentirse conmovido por esa fuerza y emoción de fervor revolucionario que estaba sucediendo mientras estaban allí. Se podía sentir particularmente porque se juntaban con gente muy intelectual y bohemia como Diego Rivera, Frida Kahlo y el poeta Pablo Neruda. Fue una época de extrema fuerza emocional. Y algo que no se ha discutido lo suficiente es que [Modotti] siempre fue vista a la sombra de Edward Weston, pero en sus cinco años juntos, él estaba cautivado por su poder, y ella realmente lo influenció porque era una fotógrafa talentosa en su propio derecho. Entre 1921 y 1930, su producción fotográfica fue realmente prolífica y vanguardista. Es cierto que toda la naturaleza muerta [de Weston], incluida su famosa 'Pepper No. 30', fue influenciada por Modotti. Después de 1930, renunció por completo a sus esfuerzos creativos y se convirtió en activista política, sumergiéndose en el comunismo. Finalmente fue deportada de México, solo para regresar en 1939 bajo un seudónimo. Murió en circunstancias muy sospechosas e incluso se ha sugerido que fue asesinada.
Háblame de Wildcat Hill, donde se rodó esta serie ...
Bueno, estamos hablando de cuatro generaciones de fotógrafos increíbles: Edward, su hijo Cole, su nieto Kim Weston y su bisnieto Zach, quienes realmente son una de las familias más influyentes y creativas en la historia de la fotografía estadounidense. Cuando vivía con ellos [Kim, su esposa Gina y su hijo Zach], realmente estaba viviendo la historia. Pasar tiempo en el cuarto oscuro original de Edward Weston, leer sus diarios, notas y formulaciones; ver el escritorio y la lámpara que aparecen en muchas de sus fotografías… ¡Es asombroso pensar que viven en un museo! Mientras estaba allí, noté algunos candelabros de terracota en la parte superior de la repisa de la chimenea y también estos platos de loza con hermosos diseños, y me sentí obligado a preguntar por ellos. Al estar en California y tan cerca de México, pensé que podrían haber sido simples recuerdos que recogí de un viaje allí. Kim casualmente me dijo que Edward los había traído él mismo luego de su ruptura con Tina. Y de muchas maneras, [Modotti] siempre ha sido parte de sus vidas todos estos años y continúa siéndolo hoy. [En la exposición en Fitzroy Square], hay dos piezas de Weston cedidas por un coleccionista privado: 'Pepper No.30' y 'Nude on Sand'. Es fantástico tener este diálogo continuo aquí en Londres.
Has elegido representar a Tina a través de la lente de Edward, pero habiendo tomado las imágenes, tú también tienes voz en esta narrativa artística. ¿Crees que también le has dado a Tina algo de tu propia alma?
Creo que he intentado idealizar a Tina, porque siento que, en cierto sentido, no tenía voz hasta hace muy poco. Desde mi perspectiva, es un enfoque sensual en contraposición a uno sexual. Quería mostrar la intensidad de su emoción compartida en lugar del tirón físico de su acoplamiento. También quería enfatizar el nivel de intimidad que pudieron haber tenido más allá del físico. Por tanto, mostrar un ideal era mi deseo, la representación de una belleza poderosa es, espero, lo que he logrado. Realmente era un ser humano increíblemente poderoso. Un personaje contencioso para algunos, pero las figuras poderosas a menudo lo son. Habiendo leído sobre ella, no creo que se propusiera romper el matrimonio. Ella simplemente luchó con la emoción en lugar de con la cabeza. Esto la llevó por este camino de autodestrucción porque al final se entregó a la emoción política.
Sus imágenes tienen una calidad distintivamente tranquila y pacífica. ¿Cuéntame cómo te gusta trabajar?
Día a día, soy principalmente madre. Mis dos hijos, 14 y 17, se encuentran en momentos muy importantes de sus vidas, por lo que la vida familiar es muy especial. Dos o tres veces al año me tomo cinco días para mí. ¡Yo lo llamo mi 'acto de desaparición'! Exploro lugares que luego se convierten en santuarios, lugares donde puedo disfrutar de una verdadera reflexión personal. Es un lujo, porque estás libre de todas las obligaciones y puedes simplemente producir. Quizás sea esta sensación de paz la que se traduzca en mi trabajo. Debido a que mi vida se ha visto acentuada por tanta confusión, personalmente hablando, creo que hay un elemento en mí tratando de buscar un lugar de calma.
Cabe señalar que sus fotografías también tienen un toque pictórico gracias al maestro impresor de platino Martin Axon, quien imprimió muchas de las impresiones en platino de Mapplethorpe. ¿Cómo surgió esta colaboración?
Debido a que la tradición juega un papel importante en mi trabajo, pensé que también sería genial mirar los métodos de impresión tradicionales. Cuando filmé en la casa de Carmel, Kim amablemente me presentó el proceso de impresión en platino, que me encantó. La densidad del color, la superficie, el tacto de la imagen son elementos que se acentúan gracias a este método; [la imagen] está mucho más concentrada en muchos niveles y puedes crear muchos más contrastes. Cuando volví a Londres, no pude encontrar un impresor que pudiera ayudarme, porque es una especie de arte perdido. Estaba hablando con Carrie Scott, curadora de [fotógrafo de moda] Nick Knight y ella sugirió a Martin Axon. Pronto descubrí que Martin es un personaje más grande que la vida. Es británico de nacimiento y ahora tiene setenta y cinco años. Se mudó a los Estados Unidos en 1981 y ahora vive en Connecticut. La historia es que necesita gustarle y gustarle su trabajo porque ha colaborado con los mejores, desde Mapplethorpe hasta Annie Leibovitz, Patrick Demarchelier y Horst P. Horst. No pensé que extender la mano me llevaría a nada, pero cuando nos conocimos, nos llevamos bien como humanos. Hubo mucha comunicación durante los siguientes dos años, porque le costó mucho entender mi pensamiento, porque hay muchas variaciones en lo que respecta a la impresión en platino. Depende de la emoción y los sentimientos que quieras transmitir. Pero realmente consiguió lo que quería. Es un artista porque pinta con la emulsión. Él también desarrolló el artículo [a principios de los 90]. Es de la fábrica de papel Arches en Francia. Es papel de acuarela y fibra de algodón 100%; y llamado papel 'Arches Platine'. Ahora es ampliamente utilizado por pintores y fotógrafos de todo el mundo. Es un trabajo muy complejo y es un verdadero artista. Mis piezas son ediciones de cinco, lo que es muy pequeño, pero, como señala Martin, cada una es única porque todas tienen su propio toque especial.
Lea más sobre el artista enmaryameisler.com. La exposición 'Imaginando a Tina: Un diálogo con Edward Weston' estará abierta hasta el 2 de marzo. Visitatristanhoaregallery.co.uk
